是美

    我生活在世已逾半個世紀,童年是在長白山莽林中的小山村度過的,經歷了別樣古老原始的衣冠文物,那裡頭有好多好多的美。比如到了年關,一家宰年豬,要請到全屯的人來家吃豬肉和血腸;傍晚過路的陌生人,自然被留宿,熱情招待吃喝,第二天走人,連姓名都可以不留。 

    我希望透過我的藝術,給生活在現代社會的人們,帶來一種純自然的氣息,一種純真的美。為此,我的藝術不能不追求古朴的風格。

 

    真言

    詩言志,畫傳情,詩畫皆如人也。繪畫的修養說到底是人的修養。

    人真畫亦真,人假畫亦假。

    人濃畫亦濃,人薄畫亦薄。

人的感情誠摯,畫就能依真情動人,定會被觀眾所喜愛;人的感情虛假,裝腔作勢,無病呻吟,畫就會輕浮,定會被觀眾所厭惡。

   人的氣質最終會在自己作品中頑強地展現出來,是誰也抗拒不了的,是概莫能外的。

 

    藝術 炊事

    我們的藝術勞動形同炊事,憑借每位勞動者的素質與修養,烹調出不同口味的佳肴,供不同愛好的顧客選擇。且不必一定要認定哪種最好,更不必有了某種好吃的新品種,就非得除掉已吃多年仍然愛吃的品種。我們的責任是讓餐桌上的好吃的菜肴豐富起來。讓藝術白花園中的鮮花繽紛起來,滿足不同胃口的人們多方位的需要。

 

    具象、抽象各有其難

    具象的潛在危險在於形象太具體,不能給觀眾留有充分的虛擬的想像的空間,將自己具體了的一切強加給觀眾,迫使觀眾接受,導致失敗;

    抽象的潛在危險在於不易形成形象感,甚至連虛擬的形象也形不成,會因其沒有內涵,虛張聲勢,失掉觀眾,導致失敗﹗

    具象易僵、易死、易俗,沒看頭;

    抽象易假、易空、易玄,沒看頭

 

    再說具象之難

    看上去似乎具象繪畫比抽象繪畫容易,因為多有參照物,多有臨摹的依據;沒有抽象繪畫創作所經歷的深刻創意、想像與變革。

    其實不然,抽象、具象各有其難。抽象繪畫難,具象繪畫也不易,在某種意義上講更難,成功率相當低。那是因為具象的通病是易俗、易僵、易死﹗難點在於,作者完全具體化了的形象,不能給觀眾留下半點自己想像的餘地和空間,極具強加於人的味道,強迫觀眾接受你準備好的的一切﹗不要說與自由的抽象的藝術相比,就是與文學式的虛擬的具象相比,具象繪畫亦應自嘆不如。如《紅樓夢》中林黛玉的形象,雖然是具象的,但又是虛擬的,留給觀眾相當大的獨立想像空間和再創作的餘地,每人依據這些共同寫實文字,在各自的心目中創作出了自己的林黛玉,各不相同。雖然如此,大家卻相安無事;但是,一旦有人想把林黛玉具象化,拍成影視,強加給觀眾,那一定是危機四伏,免不了要遭人非難,至少會有很多人說︰"我不管那是誰,但絕對不是林黛玉﹗

    又比如,陸游的卜算子《詠梅》︰

    驛外斷橋邊,寂寞開無主。

    已是黃昏獨自愁,更著風和雨。

    無意苦爭春,一任群芳妒,

    零落成泥碾作塵,只有香如故。

    在這裡,作者虛擬的寫實,虛到全文中除標題外,竟找不到一個字。然而,又字字叩梅,字字依梅傳情,盡情地抒發著心中的哀怨與憤懣。如果有誰想用一幅具象的繪畫來再現這首詞,將詞中虛擬的“驛”“斷橋”“黃昏”“風”“雨”“泥”等景物具象化,那他的麻煩可就大了。不必說“驛”“斷橋”在南北方人心目會截然不同,就是“黃昏”“風”“雨”“泥”等,在東西南北各方人的心目中也絕不會相同,定會各置一詞;比如“泥”就有多種,北方是黑的,南方是紅的,西北又是黃的。特別是詞中的主角“梅”,並沒有被具體的描繪出是古樹、新枝?高碩、矮小?紅色、黃色、白色?茂盛、凋零?但在具象的繪畫中它們必須是具體的。然而越是具體,路堵得越死,越難讓所有的觀眾認可,失敗的機率自然越高。

    當然了,一旦你創造的具體形象被觀眾認可,甚至喜愛上了,那你便獲取了難得的成功,成就斐然,同時會嘗到某種創造的歡樂與福祉﹗

    冒險與成功也許就是具象藝術的引人之處。

 

新,不是時髦

    創新,是每位藝術家必求的,而且要為之奮鬥終生。只有尋找到了屬於自己的新意,才會形成自己獨特風格與面貌,才更具價值。但求新不等於追趕時髦,一時興起甚至走紅的東西未必就好,不應該一時興什麼就猛追什麼,而應該著眼於自己創造什麼,時髦未必好。藝術不宜追求流行的價值,應該追求永恆﹗

 

    幾點隨想

    藝術必須有熾烈的感情,只有政治家、哲學家式的冷靜與思考是不夠的。

 

    成功建築於刻苦,堅韌,鍥而不舍之中。

 

    自信是任何一個藝術家不可省缺的。要相信自己,敢於創造,敢於成功﹗但自信與自滿又是截然不同的。一旦自滿,自信之門即被封堵,你就會停止前進,成功也就永遠離開了你﹗永無希望了﹗

    看到一線曙光,不要因驕傲停頓下來,要繼續前行,藝術是終生的事業。

 

    我看照片

    我在拍攝我的《海島行》的電視片裡,曾這樣說︰

   “在我的創作中,參考了許多照片資料。對於人物創作來說,如果沒有任何素材,僅僅依靠腦子就能一會兒創造出一個陝西人,一會兒創造出一個廣西人,一會兒又創造出一個山東漁民,那你可真神了;其實是不可能的。當今,人們在現實生活中,都是高速率,我們旅行式的深入生活,完全靠手工速寫,好多時候根本來不及。尤其畫人,很難請到一個可心形象讓你畫上兩三個小時,將形象完整地記錄下來。這就用得著照相了。問題是如何使用照片,現下我有了初步的體會︰用得好,等於照相機把模特請回了家,然後重新對這個模特進行寫生、創作,就如面對真實模特一樣。照片的作用是幫你作個記憶,這種記憶與你畫速寫甚至寫文字的記憶作用是一樣的。現下初學人犯的毛病,是將照片作為了一個終極目標。按著照片的樣子無限地接近它,照片這裡黑就一定畫成黑,這裡紅就一定畫成紅,照片細膩就一定畫得細膩,用小筆不惜工本地磨,磨出來的都是僵死的、照片式的東西,這些東西沒法感動人﹗

    在我的展覽會上 ,很多人都向我提出了這個問題,都認為我是當場寫生。說關老師您這些作品都是現場寫生吧,怎么這樣生動?於是我就同他們談了使用照片的體會︰照片要用,但要有正確的觀點,要會用。首先需要作者有豐富生活的累積,深濃扎實的基本功,不然就會受照片的害。因為拍出來的東西,將對象的架構、精神面貌都弱化了,比如老百姓喜歡的甜甜的東西,照片就很擅長,象把孩子的小臉表現得光光甜甜的很好玩,很可愛。那只不過是照片的美;然而,照片的美永遠不可以替代繪畫的美。我們要借助照片這種工具追求繪畫的美﹗”

 

    觀眾是上帝

    我們這代人,由於社會客觀環境的鍛造,思惟模式容易主觀武斷,總喜歡將政治的觀點和習慣做法加進藝術當中。誰被喜歡就獨此一家,不被喜歡就開除,斬草除根。

    水彩,轟轟烈烈發展至今,進步是顯而易見的。但如此短暫的發展歷程,就必然給它以稚嫩、多毛病、不成熟的特性。藝術家各有氣質,觀眾各有選擇,就決定了我們的藝術必須是多門類、多品種、多風格、豐富多彩,五彩繽紛,甚至五花八門。從這點出發,無論江南大水分的飄逸風格或北方較少水分的渾濃氣質;筆法的粗放或細摳等,都不能從形式上概念上簡單地予以肯定或否定。就是完全照相寫實也是一個品種,亦不應輕易否定。因此,我們的思想要開放,不要人為的畫圈圈設障礙,藝術上明明白白的說出誰正確誰錯誤是愚蠢的。無論誰怎么說,怎么畫,都有他獨到的理由,獨到的思惟,獨到的氣質,獨到的品格。也就是說,都有他的道理。藝術創作只有高和低、初始與完善之分,而不宜簡單地歸於正確與錯誤。最後決定它們優劣成敗的不是評委、不是媒體、不是作者,而是觀眾,藝術的“生殺大權”全握在觀眾手中。當然,觀眾是個很寬泛的群體,工農兵學商、官員平民、進階知識分子普通老百姓、評論家、收藏家等等。可以說我們藝術家,是為觀眾而生存而勞動。倘若沒有了觀眾,藝術就沒有意義。你完全是孤家寡人,連替你說一句話的人都沒有,替你儲存一張畫的人都沒有,甚至連反對你的人都沒有,那你的藝術必然消亡。

    藝術家從事藝術創作,首先是有感而發,不欺騙自己,進而才不欺騙觀眾,不愚弄觀眾。藝術家心中要永遠裝著觀眾,永遠尊重觀眾﹗觀眾是真正的上帝。

 

     行為是藝術

     近來,媒體、輿論界將所謂行為藝術炒得沸沸揚揚,披露了諸如吃死嬰”“鑽牛肚子”“與豬狗性交等醜陋現象,並封之為行為藝術加以炒作,其實這是一種錯誤,太高抬它們了。如果這些行為都可算作藝術,那麼搶銀行、恐怖活動、奸淫燒殺豈不也都成了“藝術”? 這些行為與藝術根本不搭邊,純屬一種社會行為,如果這些行為有益於精神衣冠文物,就應給以保護;如果有害社會、毒害青少年,那就應堅決取締。何必誤作“藝術”白白送給它們一個避風港﹗

 

   《京味》的啟示

    成畫80 年代的《京味》第一稿,帶著一種初探的不成熟,隨北京風情水彩展到了澳洲,沒想到在展出中倍受觀眾的矚目與喜愛,媒體竟作為展會花絮作了如下報道︰關先生的《大碗茶》(誤認,其實是北京的茶湯)是一件純西方高度水彩技巧的作品,同時又融合了中國畫大寫意的情趣,許多觀眾都希望收藏到它,無奈展會只得請一位先生作仲裁,按提出收藏的時間為據,判給了那位幸運的先生﹗以後又畫了幾幅變體,全被收藏一空,最後一稿境內外竟有十多位爭相收藏,最終被新加坡一位王姓先生收走。這給了我一個很大的啟示,對於象我這樣一輩子連宣紙都不碰的人來說,水彩作品中居然含有中國畫“大寫意”情趣,這就表明,中國人永遠是中國人,中國人的氣質會頑強的表現出來。可以放心大膽的學習吸收西方藝術中有用的東西,終究會被我消化為我所用。就象吃“麥當勞”“肯德雞”,你可放心地吃,吸取營養。這些營養只能幫你長成健壯的中國人,絕不會吃出綠眼睛,高鼻梁,吃不白皮膚。這個啟示的另一面是,外來東西融入我們民族,就象敦煌壁畫一樣,是在一定時間空間內自然進化的過程,絕非靠幾個人主觀願望辦得了的。

 

    畫畫難

    繪畫的又一大難點也是特點︰畫不象其他門類的藝術,如戲劇、影視、音樂、舞蹈,作者是將自己的意圖要說的話,寄托於被表現對象,讓被表現對象替作者自己說出來、演示出來;而繪畫,則是作者將自己的意圖和要說的話,無聲地放在自己營造的形象之中,要觀眾自己讀出來,這便給觀眾出了大難題;而繪畫又是永恆地停留在觀眾面前,任憑觀眾、讀者琢磨品頭品足,什麼瑕疵也難逃他們的眼睛,也給畫家出了大難題。

    因此,畫家的作品首先必須藏有豐富的語言,富有引人的可讀性,而不是干癟的僵死的圖象;接著,必須能讓觀眾自己饒有興致地、順利地讀出來,這才是真正偉大的藝術傑作。能做到此步,著實是太難了﹗可是,作為畫家,知難也得進,不然就別選擇這門藝術﹗

 

    再說照片式的水彩作品

    近來在水彩界一些照片味作品的出現,引起水彩界內外不少人的不滿,特別是一些因不是照片式而落選作品的作者更是義憤填膺,聲言一定要取締這些照片式的東西﹗

    其實,這種劃線和分界還是有些武斷和片面,因為任何一種繪畫,只要它是畫出來的,又有喜歡它的觀眾,就是繪畫的一個品種,哪怕它畫得與照片一樣,只要具有繪畫的表現力,就是一個繪畫品種,就應有一席之地。在世界上不是已有不少優秀的超寫實畫家和超寫實作品存在嗎?   

    問題是,我們目前有些照相寫實的作品,所以被貶,那是因為這些作品在氣質、理念、格調上很低俗,太象照片,或者說是攝影理念的照片式繪畫。可是我認為“照片式”作為“表面”的代名詞,不應局限於那些細筆死摳、光滑無筆觸很“像”照片的作品,也應該包括那些畫得雖然“大氣”,即便它不是畫照片而是對模特直接寫生,但只追求表面效果,極大降低了繪畫藝術品位的“不太像照片”的作品。我們應該警惕和反對的是用照片理念與審美經營繪畫,永遠不能用照片的藝術理念替代繪畫的理念。照片與繪畫雖然有不少共同之處,但畢竟是兩種不同的藝術形式,雖然可以互相借鏡,但不能消失各自界線。作為畫家創造不出屬於繪畫品格的作品,而完全是再現照片,這樣的藝術家就沒有多大意義了。

    如果我們不把照片作為臨摹的終極目標,而是當作一種記錄工具,幫助畫家將來不及畫的模特和景物再現眼前,完全象對待真實模特一樣,充分運用繪畫的理念與繪畫技法、語言去創作是不會掉進照片式的泥坑的。這樣使用照片是可以提倡的。

 

    心理準備的意義

    做任何事情心理有無準備,效果是大不相同的。比如一個教生理殘障孩子的教師,如果有心理,準備教他100次認一個字;另外一位老師沒有做心理準備,想與教正常孩子一樣,一兩遍就讓他認下。這樣到了第50遍,生理殘障孩子可能還沒有認下,此時的反映就會大不一樣了。有心理準備者,就會滿懷信心,進行後50次的教授,而沒有心理準備者,可能再也無法忍受,揚長而去。畫畫依然。

  

    幾句話

    自信不自滿

    借鏡不模仿

    獨立思考不自閉

    廣為吸收不失自我

    永遠不封頂

    自滿不可有

    自信不可無

 

    藝無止境

    從藝術家個人來說,只要沒有閉上眼睛,就會思變不止,他的藝術還要發展和變化,不可能有止境。就是閉了眼睛,作為個人,藝術是有了“止境”,但作為人類,藝術長河仍然向前流淌,它們不會因為這滄海一粟的乾涸而停止自己的腳步。在藝術長河裡,也不會給有了“止境”的藝術家以永固的定位。藝術真的是在一直向前發展和演變,一刻也不停止的,藝術真的是永無止境的。

 

    具象與抽象繪畫之根本差異

    從理論上講,具象與抽象大致在四點上有差異,具象藝術的特徵是︰1、準確的型式,2、真實的色彩,3、瞬間性的時空,4、焦點透視。總之實行的是“眼見為實”的原則;

    古典、原始的美術,隨著科學的發展,完成了向具有上述4個特徵的具像寫實繪畫藝術的過度,這在人類發展史上是一個偉大的進步。由於具像寫實繪畫能忠實地反映客觀現實,在尚沒有照相技術的年代裡,在人類精神衣冠文物建設史上,都發揮了巨大作用。產生出了許多偉大的畫家和許許多多的傳世之作。成為了人類的瑰寶,永存於世。

    而現代藝術著眼要打破和放棄的也正是這4點,可以說是針鋒相對的。

 

    雞冠花

    有的人喜歡插在花瓶裡顯出乾涸與衰敗的雞冠花,甚至成為了一種時尚;然而我卻喜歡生長在肥沃的土地裡,噴發著火紅的光芒和泥土芬芳生機昂然的雞冠花。

    因為生活就是火紅的,豔麗的,芬芳的,用我們畢生的精力對生活中的美去施愛和欣賞恐怕還來不及呢,哪還有工夫去哀嘆衰落﹗

 

    畫家的職能

    觸景生情,是畫家感受自然,激發創作慾望的模式;借景抒情,則是畫家完成創作的法則。總之,情是藝術作品的靈魂與生命,缺此,就只能是一些畫得很像卻沒有生命的物象的堆積;

    那麼可否讓畫家不動情感的自然主義的將物象照搬紙上,讓觀眾自己在這些羅列的景物中觸景生情獲得感受?不可,缺少了作者“借景抒情”對景的情感灌輸寄托,觀眾是很難獲得什麼的。

 

    價值

    在藝術創作中,太容易獲得的東西,其藝術價值可能不會高;而難以獲得的,一旦獲得,其藝術價值必高。

 

    自言自語

    我人到50才陰錯陽差地搞起了水彩,至今年已60好幾,仍是一知半解,令人感傷;不過它帶給我的研究、奮鬥和進取,倒是蠻有意思,蠻讓人興奮的。 

 

    “多眼所見是現代藝術的貢獻和特徵

    道統繪畫有四大特徵︰準確的型式、真實的色彩、時空的瞬間性、焦點透視。它所描繪的事物,我們可以簡稱為“一眼所見”;

  而現代繪畫的一大進展就是衝破了這四項的束縛︰準確的型式,被主觀意識所打破,進行重新組裝,甚至僅僅被歸納成符號;真實的色彩則讓位於純主觀情感所支配;時空的瞬間性被主觀的延深,拓展了深度和廣度;為表現瞬間性所必用的焦點透視被主觀的改變為多點散點透視的組合,從而,突破了一眼所見而成為了兩眼、三眼或多眼所見。並與昨天,今天以及未來所見融和一起,極大的拓展了表現寬度,對於道統繪畫來說,這是一種新的理念、新的思惟模式,是時代發展的產物。

  不過,雖然這是繪畫領域裡由道統到現代的一大變革,但這卻不是現代人的發明,它早在瞬間時空和焦點透視創立之前就存在於世了。比如就在達  芬奇和拉斐爾等大師忙於創建和完善一眼所見的焦點透視之時,多眼所見的散點透視已在人類歷史上沿用多時了,我們的敦煌壁畫和漢墓墓壁繪畫就是例證。當今的“多眼所見”只不過是現代人對古典繪畫大膽的重新啟用而已。

 

致友人

你那裡相應“閉塞”但卻有著內地無法比擬的,激動人心的濃郁的塞外風情,這種搭配是個缺欠,但同時又蘊藏著優勢,可以不受干擾地去發現、創建、生產重磅因的東西。只是要切記,面對熟識的生活,不可犯熟視無睹、司空見慣、麻木不仁的毛病,要想法使自己總被生活所激動,總處於藝術創造的激情之中,“閉塞”就會幫助你進入獨特的藝術世界,追求到屬於自己的獨特、寶貴、真實的東西。

 

當某某人的第二沒有意義

綜觀人類藝術發展的長河,為我們保留下來的藝術家和藝術作品的風格,豐富多采,幾乎沒有重樣的,甚至是沒有太接近的,人們尊重首創,創造最榮光。但無論歷代和現代,總會有人出於某種利益的驅使,想走一條成功的捷徑,喜愛摹仿成功藝術家或藝術作品,甘愿當某名家的第二、第三、第一百零二或一千零二。甚至達到惟妙惟肖、難分伯仲的境地,並以此為榮。其實,這是一條很糟糕的路子,它會毀掉許多很有藝術天賦的作者的前程。

當然,前人、名家的經驗是寶貴的,可以給予我們許多教誨,以便少走彎路,營養我們盡快成長。但那應該如吃同樣食物的人長成不同模樣那樣,營養我們創造出不同“模樣”的作品來。這就要求每位從藝者,敢於堅持自己獨立的見解,哪怕是剛剛起步,只要是獨立的,便是唯一的,也可以認為是這種樣式裡的世界“第一”,只不過那是剛開始的第一,初級的第一。爾後,從藝者的任務就是,不斷前進、完善這個第一,直到極至,成為真正意義上的世界第一。自然,達到“世界第一”對大多數人來說只是一種幻想,但由於堅持了獨立,隨時停到什麼地步,都堪稱唯一或第一。應該寧肯如此,也不要去做某某人第二,那樣是沒有意義的。

 

歷史將這樣說

一個藝術家的價值,不僅僅看他是否在當代發亮,重要的是看能否在他身後閃光;流行價值是短淺的,大多只不過是歷史的匆匆過客;歷史只留存永恆。

 

思辨

一個人在世只不過幾十年,這在漫長的歷史進程中是極其短暫的。在這閃電般的一瞬間裡能認知的事物是極其有限的,能做成的事情則更為有限,甚至連歷史的脾氣還沒摸到就匆匆辭世了。

這樣就要求我們每個人,面對層出不窮眼花撩亂的景象,進行深刻的思辨,不可昏了頭腦。花樣不只是被我們碰見,歷史任何時期都是花樣翻新的,比如在文言文主宰的世界裡有人企圖倡導白話文;或在學院派為唯一正統的理念中冒出個浪漫主義的思潮,可能都曾掀起過不小的漣漪,攪得整個藝術界都不安寧。 但歷史是一名嚴格的法官,要對歷史的一切進行裁判和篩選,嚴格地按著它的法則將符合歷史發展規律向前正動的,最具深刻價值的東西選留給我們;而將反歷史潮流,反動的東西,毫不客氣地清除掉了;作為後人,我們無法要求歷史為我們留什麼,只能回頭看歷史給我們留下了什麼,猜想歷史會留我們寫什麼。將歷史作為引導我們前行的鏡子,以便將有限的生命融到無限發展的人類社會進程之中,獲得生命的價值。

 

給一青年的信

    某某同學:

    讓我們討論你的問題︰選擇什麼模式是許多剛剛從藝的青年人喜歡的問題。其實,藝術創作中硬性地規定自己繪畫形式是沒有意義的,也是不會成功的。它應該是根據你本人的品格、性情、氣質、受教育程度、種族、甚至性別年齡和地域的不同,經長時間的實踐自然形成的。不要看到某人以什麼形式取得了成就,就走他的路,這樣硬貼到自己身上的東西是永遠不會變成自己身體的一部分的。 至於現實主義寫實畫法,國外稱之為的道統畫法,是否會消亡?我以為它隨著歷史的發展的進程而誕生,它也將永遠和歷史一起前進。藝術與政治是不同的,政治只允許一種樣式存在,中國信奉社會主義就不能再信奉資本主,而西方國家則反之。然而,藝術是屬於精神衣冠文物的範疇,需要的是豐富多采百花齊放。就如一個大花壇,雖然某種鮮花誕生久遠,如牡丹芍藥梅花等,但人們依然欣賞她喜歡她,那它就會仍然留在花壇中,它不會因為新品種的鮮花的誕生而自行泯滅。現實主義寫實藝術亦然,社會是永遠向前發展的,隨著社會的發展自然會誕生許多新事物,包括新的藝術品種,這也是誰也制止不了的,但它只不過是增加了一個新品種,與其他優秀的品種並存,而不可能一統天下。現下有些追趕時髦的人,為了顯示自己是跟上時代的,就削足適履,硬為自己規定了一條“現代”的路子,是不明智的。藝術是有感而發,藝術形式是為抒發情感展現主題服務的,只要你覺得選擇的形式能充分表達自己的感情,你的選擇就是對的,這個形式對你就是適宜的,反之就是不適當的。

    我早年在羅馬尼亞專家那學習的是表現主義的風格,但後來由於我自己氣質所定又回到了現實主義寫實風格中(當然不是扔掉了所學,而是消化發展了所學)並得到中外普遍高度的讚賞,更堅定了我的信念,我的選擇也是適宜的。還如上次所說︰從事藝術要真不要假要濃不要薄。祝你走好自己的人生和藝術之路,取得超過前人的成績,這是歷史寄予每位青年人的使命。

    好,這僅是我自己一孔之見,只是討論,不可以全盤接收,要獨立思考。

 

    我這樣想

    社會對藝術的需求是多種多元的多樣的,因此,我們在討論藝術的時候,往往需要有一個範圍的界定,不然就會犯武斷的錯誤。比如,前面我們關於不要摹仿他人的討論,我說不做某某大畫家第二等等,就應該有個前提︰限定在如何成為一個真正的有自己建樹的畫家的討論,若一概而論,就會犯武斷的錯誤。比如退休老人學畫,他根本不是要成為畫家,只是將繪畫當作一種愛好,旨在滿足、充實晚年生活,很多人便以臨摹像誰為最大樂趣,如果能臨摹得很像某某大畫家,惟妙惟肖,得到同伴門讚賞,甚至有人“求畫”這是他巨大的滿足,這是完全正當,沒有什麼不好,不但不能指責,還要給予鼓勵。

    還有些人畫得不正統、有人借助電腦作畫、有人畫得很但只要有人喜歡,說明有人欣賞,這都屬正當。為什麼非要搞成一個模式不可呢,甚至關於“俗”“正統”的界定也是各置一詞難以統一的。

    從而讓我悟到,求真務實,客觀公正的討論,既達到促進藝術的發展,又不要造成無謂的傷害,我想這應是每位立論者必須注意的。